Doodle: Abril

El sensual arte de dibujar expresado en mis doodles de este mes. Admito que terminando la lista me puse un poco vaga y bajaron la calidad.

Doodle: Marzo

A principios del mes me arriesgué a participar de uno de esos challenge que se realizan en instagram. Pero este no es de fotografías sino de dibujos (doodle: garabato) Y que gratificante que ha sido tener una excusa para dibujar todos los días, y más que excusa, un impulso.

La promotora de esto Annelies. Aunque ahora el listado lo harán personas que participaban realizando los doodles.

Mientras Duermes

Título original: Mientras Duermes

Dirección: Jaume Balagueró

Producción: Julio Fernández

Guion: Alberto Marini

País: España

Año: 2011

Duración: 102 min.

Protagonistas: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan 

"César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor."

De la mano de Jaume Balagueró, el mismo director de REC, viene este thriller psicológico. Actualmente parece que está preparándose la segunda parte de este film. Este es aquel tipo de película que alejándose del terror comercial, no te muestra sangre ni entrañas. Sino que el mayor peligro es un ser humano tan normal como quien pueda estar a tu lado justo ahora mismo, con una apariencia común que no te imaginas que pueda causar daño alguno. Al menos no un daño grave. Y algo que tampoco esperarías en ningún momento, que el daño se produjera en el lugar que tenemos por más seguro el propio hogar.

Uno de los terrores clásicos infantiles “el monstruo bajo la cama” toma forma humana en este film, la satisfacción que encuentra César en hacer sufrir a quienes le rodean lo ha llevado a esconderse en el apartamento de Clara para mientras ella duerme obrar con sus planes que la harían sufrir.

El ritmo que lleva la película es respetable, en ningún momento sientes esa necesidad de que termine. De principio a fin la película está plagada de escenas llamativas que te enganchan. ¿Qué está planeando ahora Cesar? ¿Seguirá Clara con su sonrisa y su actitud positiva, a pesar de?

Pone en la pantalla a la sociedad enferma, cuantos no sentimos placer en el sufrimiento del otro, tal vez no de la manera que lo hace Cesar en el film. Pero cuan morbosa es nuestra mirada que nos regodeamos de felicidad ante realittys, videos y demás en que el protagonista pasa sufrimientos de algún tipo. O tal vez lo demostramos al quedarnos de brazos cruzados ante un enfermo, un herido, alguien que necesita de nuestra ayuda.

Entre otras cosas. La actuación de Iris Almeida, Úrsula en el film,  es digna de mencionar. Esta pequeña actriz logra llevar muy bien su papel. A pesar de su corta edad logra un trabajo limpio, sin nada de sobreactuaciones, además de que no es nada sencillo los enfrentamientos que mantiene Luis Tosar, el actor que realiza el papel de Cesar, el personaje protagónico.

Para terminar algo que en apreciación personal es muy loable en la cinta. La historia no busca solucionar el problema, el enfermo no se cura, las víctimas no encuentran justicia. No es que sea partidaria a que esté un criminal suelto, pero aquello en la ficción, hace que la obra sea aún más real y cercana.

Cuidado con el portero de tu departamento, tal vez sea otro Cesar.

Farinelli (Il castrato)

Título original: Farinelli (Il castrato)

Dirección: Gérard Corbiau

Producción: Walther van den Ende

Guion: Marcel Beaulieu, Andrée Corbiau, Gérard Corbiau

Países: Italia, Bélgica, Francia

Año: 1994

Duración: 111 min.

Protagonistas: Stefano Dionisi, Enrico Lo Verso, Elsa Zylberstein  

           

Basada en una línea histórica real está Farinelli, la historia del castrato más famoso de todos los tiempos, los guionistas se dan algunas libertades en cuanto a la historia de Carlo Broschi. Las cuales empañan la fidelidad de esta pieza como documento histórico, pero no la arruinan como obra cinematográfica. Podríamos decir que es una mitificación del personaje protagónico.

El diseño. Incluyendo ambientación, vestuario y todo está muy bien logrado, en lo particular el estilo Rococó no me va, por lo muy recargado que es. Pero hay que admitir que lograron hacerlo bien en la película, es que no es una copia al azar de fragmentos de este estilo, sino una transportación a la época en la que este imperaba.

La crítica a este estilo se hace notar en la voz de Handel y luego en la del mismo Farinelli. Ambos cuestionan los arreglos y florituras que usa Riccardo (hermano de Carlo) en demasía. Y la propuesta de Handel justo marca este quiebre en la música. Cosa que obviamente Carlo también nota necesario. Lo cual demuestra que no es sólo una máquina de canto.

Algo que te perturba de la película es el descubrimiento de los castrato. Como la ambición humana, la búsqueda de la perfección, en este caso musical, los lleva a hacer cosas antinaturales. Un hombre que es castrado sólo para conservar la dulzura de la voz de un niño, por eso mismo el director nos regala el patetismo en una de las primeras escenas, al ver como uno de estos castratos se tira en busca de la muerte.

Y hablando de este tipo de escenas, hay momentos en los que la historia es interrumpida por escenas que en cuanto a la historia no aportan mucho, pero no resultan solamente decorativos (como el rococó) sino que le sirven a Corbiau para ambientar, para transmitir emociones, que no significan que los actores no la logren, sino que de esta manera logra realzarlas un poco más, dando tiempo también para digerir al historia. Una de estas escenas es el momento en que Riccardo ahuyenta a los caballos.

Como de fantasía resulta la amenaza que le hace Farinelli a Handel, pero no es el hecho de hacerla. Sino como esa voz que encanta, enamora, extasía, también puede ser usada para algo maligno. Mientras en la sala del teatro todos han entrado en un momento de embeleso, tanto así que las mujeres comienzan a desmayarse de la emoción, Handel se consume, la maldición dictada por Farinelli se torna real. Algo similar sucede con Riccardo al escuchar a su hermano durante el eclipse de sol.

Algo que leí y que comparto, esta película no es para todo público, para verla hay que estar preparados. Ahora que la gente sólo escucha reggaetón seguro que no podrán apreciar lo sublime de la voz y de la ópera. ¿Pero desde cuando el cinematógrafo es para las masas? Esto es para un público y para poderse denominar así hay que prepararse ante ello.

Para finalizar, Farinelli (il castrato) es de esas películas que vas, te sientas a ver, se termina y preguntas ¿no eran 111 minutos? He leído comentarios que indican que es muy larga o tal vez muy lenta, pero a mi parecer es precisa. No se siente larga y el fin llega de manera que no resulta ni apresurada ni muy lenta.

Como nota curiosa la voz de Farinelli que está tan exquisitamente lograda fue el resultado de mezclar la voz de la soprano Ewa Malas-Godlewska, y el contratenor Derek Lee Ragin, grabadas por separado y luego mezcladas digitalmente.

La cuestión del arte, o el arte que cuestiona

 

El concepto de arte es cambiante según lo es el entorno en el que se presenta. Si antiguamente se podía considerar arte a algo “bello”, que a la vez mantenía un aura de sagrado, por decirlo de alguna manera. Eso ya no se puede dar porque algunos factores han condicionado este concepto.

El primer condicionamiento fuerte que se presenta ante el concepto de arte, es la producción masiva de medios de comunicación. Este gran manejo de información fue provocando de a poco que las obras de arte fueran cada día más conocidas. Lo que en un principio era de conocimiento exclusivo, de un público muy limitado, gracias a la reproducción en la prensa se fue propagando hasta públicos que antes no había llegado. Multiplica las oportunidades de apreciarlo. Abandona su valor de sagrado, para convertirse en algo más próximo, más cercano.

Otro de los factores que cambian este concepto de arte es la obra de Duchamp, que nos desprende un poco más del concepto previamente concebido. Él con su gesto provoca al espectador llevándolo a pensar si aquello que no es “bonito”, que antes ni hubiera sido considerado como arte, lo podemos considerar como tal. Una vez rompe lo que le quedaba de “sagrado” al arte, nos lleva a cuestionarlo.

Por si fuera poco este gesto de cuestionar al arte, que no al artista, aparece Manzoni para perfeccionarlo. Con una obra que ya no sólo cuestiona ¿Qué es arte? sino también ¿Quién es el artista?

Typolution

Un gran video que muestra la versatilidad de la tipografía

La constante del Arte (el cambio)

El concepto de arte es cambiante según lo es el entorno en el que se presenta. Si antiguamente se podía considerar arte a algo “bello”, que a la vez mantenía un aura de sagrado, por decirlo de alguna manera. Eso ya no se puede dar porque algunos factores han condicionado este concepto.

El primer condicionamiento fuerte que se presenta ante el concepto de arte, es la producción masiva de medios de comunicación. Este gran manejo de in formación fue provocando de a poco que las obras de arte fueran cada día más conocidas. Lo que en un principio era de conocimiento exclusivo, de un público muy limitado, gracias a la reproducción en la prensa se fue propagando hasta públicos que antes no había llegado. Multiplica las oportunidades de apreciarlo. Abandona su valor de sagrado, para convertirse en algo más próximo, más cercano.

Otro de los factores que cambian este concepto de arte es la obra de Duchamp, que nos desprende un poco más del concepto previamente concebido. Él con su gesto provoca al espectador llevándolo a pensar si aquello que no es “bonito”, que antes ni hubiera sido considerado como arte, lo podemos considerar como tal. Una vez rompe lo que le quedaba de “sagrado” al arte, nos lleva a cuestionarlo.

Por si fuera poco este gesto de cuestionar al arte, que no al artista, aparece Manzoni para perfeccionarlo. Con una obra que ya no sólo cuestiona ¿Qué es arte? sino también ¿Quién es el artista?

¿Qué es el arte?

Para empezar no se debería de plantear la pregunta de esa manera. Porque es difícil, prácticamente imposible darle un sentido de absoluto al arte. Mejor sería decir, ¿Qué es el arte aquí y ahora?. Pues el concepto de arte se ve sujeto a la evolución del tiempo y al lugar en el que se lo genera viéndose afectado por la cultura del entorno que lo observa.

Según Hegel podríamos decir que la estética del arte va más allá de la forma en la que se lo representa, más allá de los soportes y las técnicas. Abarca también el concepto que conlleva y los juicios que este puede generar. En principio es una producción sensible, se transmite a través de los sentidos pero va más allá provocando una reflexión que mueve el intelecto. Para abreviar un poco se podría recordar a Danto. La obra de arte son significados encarnados. El arte provoca, no está solamente para ser admirado tiene que llevarnos a una reflexión.

Nos queda claro que el arte va más allá de su forma, pero aún queda mucho por decir. El concepto de arte es tan amplio como la cantidad de artistas, y más allá de eso, es tan extenso como espectadores puede haber. Y ambas condiciones están a la vez sujetas a la tecnología, que con los cambios que va produciendo no sólo genera nuevas técnicas para la realización artística, sino también produce cambios directos en el arte tanto en su concepción como en su concepto.

Pero a fin de cuentas, ¿en realidad existe el arte? Gombrich, nos llevó a la reflexión de que el arte no existe sino que existen los artistas. Vamos más allá de las piezas, vamos hasta el mismo creador, ante la mente que concibió lo que se exhibe ante nuestros sentidos. Pero quien lo define como tal es “el mundo del arte” (artistas, críticos y por qué no audiencia). Claro que hoy todos pueden oponerse a aceptarlo como tal, pero en un par de décadas podría ser lo contrario.